Sejarah Singkat Seni Jepang: Periode Meiji Hingga Reiwa – 1868 adalah tahun yang menentukan bagi Jepang. Setelah lebih dari dua abad pemerintahan shogunal, kekuasaan politik praktis dikembalikan ke kaisar (Meiji). 15 tahun sebelumnya, komodor Amerika Matthew Perry memimpin ekspedisi militer dan diplomatik ke Jepang, membuka negara itu untuk perdagangan luar negeri dan dengan demikian mengakhiri kebijakan isolasi diri yang diberlakukan Tokugawa. Efek dari “pembukaan” paksa ini bermacam-macam dan sangat mempengaruhi tatanan sosial dan budaya Jepang. Jepang mulai berpartisipasi dalam Pameran Dunia, mengumpulkan pajangan contoh tradisi budaya Jepang yang dirancang untuk dilihat dunia luar, dan sering kali mengambil bentuk vas porselen baru yang terkesan melalui skala monumental, keunggulan teknis, dan dekorasi rumitnya.
Di ranah seni lukis, pada tahun 1870-an terjadi mode baru pembuatan gambar yang merangkul gaya dan teknik barat, yang dalam bahasa Jepang dikenal sebagai yōga洋 画 (“lukisan gaya Barat.”) Seniman yōga perintis, Takahashi Yuichi membantu Antonio Fontanesi, “Penasihat asing” yang ditunjuk oleh pemerintah Meiji untuk mengajar lukisan cat minyak di Sekolah Seni Rupa Teknis yang baru didirikan di Tokyo. Dikembangkan lebih lanjut oleh pelukis seperti Kuroda Seiki, yang belajar secara ekstensif di Paris dan bekerja di Jepang hingga tahun 1920-an, yōga sebagian besar memeluk gaya lukisan Prancis kontemporer, dariSekolah Barbizonhingga Impresionisme, dan praktik terkait mereka, dari melukis dari alam hingga menyukai materi pelajaran yang diambil dari sini dan saat ini. sbotop
Sebagai pelapis yōga, seniman visual Jepang lainnya mengembangkan mode lukisan paralel, yang dikenal sebagai nihonga日本 画 (secara harfiah, “lukisan Jepang”.) Menolak adopsi langsung teknik dan gaya dari tradisi bergambar Euro-Amerika, nihonga bukanlah kelanjutan langsung dari sebelumnyayamato-eantara. Alih-alih, nihonga memperluas tema tradisional yamato-e, menciptakan campuran baru dari tradisi gaya Jepang seperti Kanō dan Rinpa, dan bahkan memasukkan mode realisme bergambar barat ke dalam penemuan kembali lukisan Jepang.
Dua seniman yang secara signifikan membentuk nihonga adalah Kanō Hōgai dan Yokoyama Taikan. Dikenang sebagai guru besar terakhir sekolah Kano, Kanō Hōgai membantu merintis nihongabersama sesama pelukis Hashimoto Gahō, dirinya dilatih dalam gaya Kano, dan Ernest Fenollosa, seorang penyair Amerika dan kritikus seni yang mengambil posisi budaya penting di Jepang periode Meiji, sebagai profesor filsafat dan kurator di Universitas Kekaisaran Tokyo yang baru didirikan dan Museum Kekaisaran, masing-masing. Mencontoh universitas dan museum Eropa dan Amerika, institusi semacam itu mengubah struktur lama bidang budaya Jepang. Kata-kata baru menjadi penting dalam bahasa Jepang untuk menerjemahkan dan menggunakan konsep asing seperti “seni rupa” atau “seniman”. Pemikir seperti Fenollosa atau Okakura Kakuzō semacam duta budaya yang menjelaskan, melalui lensa subjektifnya, budaya Jepang kepada penonton elit Amerika memengaruhi baik produksi maupun penerimaan dari apa yang disebut sebagai “seni Jepang” di zaman Meiji.pelukis gaya nihonga Yokoyama Taikan. Lukisannya menggabungkan elemen kanonis Jepang dan elemen barat dengan teknik yang tidak konvensional dan konten simbolis yang tinggi.
Namun mode melukis lainnya hidup berdampingan dengan yōga dan nihonga yang kuattren. Agak selaras dengan Eropa-Amerika pasca-Impresionisme, seniman Tomioka Tessai menciptakan gaya individualistisnya melalui perpaduan pengaruh yang inventif, sebagian besar diambil dari sumber klasik Jepang dan China. Mentor Tessai, teman, dan kolaborator yang sering adalah Otagaki Rengetsu, seorang seniman dan biarawati Buddha yang mengekspresikan gaya uniknya melalui tembikar, puisi, lukisan, dan kaligrafi. Seniman istimewa lainnya pada masa itu adalah Kawanabe Kyōsai, yang “menerjemahkan” pengalamannya tentang perubahan drastis yang dialami Jepang pada abad ke-19 menjadi karikatur dalam alam gambar yang sangat inventif. Melalui seniman semacam itu, periode Meiji memajukan semangat berabad-abad interaksi puitis dan menyenangkan di antara media dan gaya dalam seni Jepang.
Didorong oleh ide-ide baru tentang negara-bangsa dan rekonfigurasi masyarakat di era modern, kehidupan perkotaan Jepang mengalami transformasi di periode Meiji. Dengan transformasi ini muncul berbagai gaya hidup dan gaya arsitektur baru untuk bangunan yang menampung institusi publik yang baru didirikan dan untuk rumah keluarga, dipengaruhi oleh konsep rumah tangga yang berpusat pada barat. Mencontoh arsitektur barat, bangunan dibangun dengan batu bata dan batu, bukan kayu tradisional. Menggabungkan elemen internasional dan adat, gaya arsitektur eklektik muncul, yang diperjuangkan oleh arsitek seperti Itō Chūta, yang juga membantu menetapkan hukum pelestarian budaya untuk bangunan kuno seperti kuil dan tempat pemujaan.
Periode Taishō (1912-1926)
Periode Taisho melanjutkan proses adopsi dan transformasi model asing. Selama periode ini Jepang berpartisipasi dalam Perang Dunia I dan melanjutkan pemerintahan kolonialnya di Korea dan Taiwan, pendudukan yang berasal dari periode Meiji. Di bidang budaya, gaya eklektik yang muncul dalam arsitektur terus berkembang, dengan struktur yang meniru tren modernis seperti Bauhaus dan Art Deco. Gempa Bumi Besar Kanto tahun 1923, bencana alam yang sangat dahsyat, tidak hanya menghancurkan bangunan dan properti budaya lainnya, tetapi juga menandai pergeseran dalam masyarakat Jepang dari optimisme periode Taisho ke nasionalisme radikal pada dekade berikutnya.
Auditorium Yasuda, dibangun pada tahun 1925 di kampus Universitas Tokyo, melambangkan periode Taisho yang singkat namun penting. Didesain dalam mode Art Deco dan mengingatkan pada kampus Universitas Cambridge, auditorium Yasuda disponsori oleh salah satu pendiri Yasudazaibatsu. Itu dimaksudkan sebagai fasilitas peristirahatan sementara bagi kaisar ketika dia mengunjungi universitas. Dengan demikian, auditorium mewujudkan pengaruh sosio-budaya dari tokoh-tokoh keuangan baru, kebangkitan nasionalisme yang terkonsentrasi pada persona kaisar, adopsi gaya arsitektur Art-Deco Eropa, dan penegasan universitas sebagai pusat penelitian modern.
Nihonga, atau lukisan Jepang (modern), terus berkembang di persimpangan tradisi Jepang, teknik barat, dan gaya individu. The Nihonga pelukis Yokoyama Taikan dibangkitkan Nihon Bijutsuin (Jepang Art Institute) setelah itu murtad setelah kematian pemimpinnya, kontroversial namun berpengaruh pemikir Okakura Kakuzō. Perkembangan tersebut memastikan kelanjutan dari wacana seni periode Meiji, yang memerlukan adopsi pengertian dan istilah barat serta perumusan dan kristalisasi konsep-konsep baru, semuanya tercermin dalam kata-kata bahasa Jepang yang baru diciptakan.
Setara dengan Nihonga adalah fenomena shin hanga, yaitu pembentukan mode dan gaya seni grafis baru yang secara bersamaan merevitalisasi ukiyo-e (sebagaimana didefinisikan dalam bagian seni zaman Edo) dan memasukkan elemen desain modern dan realisme yang diilhami oleh barat. Sementara shin hanga sebagian besar mempertahankan banyak tangan yang secara tradisional terlibat dalam desain dan produksi cetakan balok kayu ukiyo-e, mode seni grafis Jepang lain yang muncul pada tahun 1910-an, yang dikenal sebagai sōsaku hanga, menekankan ekspresi individu dan menampilkan pencipta tunggal yang bertanggung jawab atas semuanya. aspek produksi cetakan (dari menggambar hingga mengukir hingga mencetak). Sōsaku hanga beresonansi, dan memanfaatkan, pemikir dan penulis kontemporer seperti Natsume Sōseki yang menganjurkan ekspresi diri.
Periode Heisei (1989-2019)
Sesuai dengan masa pemerintahan kaisar Akihito, Heisei (secara harfiah berarti “mencapai perdamaian”) adalah periode damai, tetapi tetap saja menyaksikan stagnasi ekonomi dan bencana alam. Di bidang budaya, periode Heisei melihat berdirinya museum seni baru dan adopsi alat ekspresi baru di kalangan seniman Jepang, meskipun selalu berdialog dengan masa lalu atau yang lebih jauh.
Manga dan anime meledak dalam popularitas dan pengaruhnya selama periode ini, meskipun keduanya memiliki sejarah yang dalam. Manga secara umum mengacu pada komik dan akarnya mengacu kembali ke gulungan gambar naratif abad pertengahan. Anime tentu saja mengacu pada animasi, yang kembali ke awal abad ke-20 dan termasuk, di Jepang, sejarah kontroversial penggunaannya sebagai alat propaganda selama Perang Dunia II. Pada 1990-an, industri anime tumbuh melalui kebangkitan dan sekuel produksi populer tahun 1970-an serta melalui genre baru.
Populer baik di dalam negeri maupun internasional, anime dan manga sangat erat kaitannya dengan prinsip kawaii, yang diterjemahkan sebagai “imut”. Budaya “kelucuan” ini seringkali dipahami sebagai bentuk pelarian dari kenyataan pahit pascaperang dan negara yang kerap terancam bencana alam. Seniman seperti Yoshitomo Nara dan Murakami Takashi menggunakan elemen dari manga dan anime untuk menjelajahi bagian bawah kawaii yang lebih gelap.
Seniman seperti Murakami Takashi tidak hanya mengacu pada budaya manga dan anime kontemporer dalam karya mereka, tetapi juga pada garis keturunan dan silsilah sejarah seni Jepang yang lebih tua. Murakami adalah contoh kasus dengan interpretasi pribadinya dan seringkali provokatif terhadap pelukis “eksentrik” periode Edo yang karyanya tetap menjadi bagian integral dari kanon seni visual Jepang. Seperti Andy Warhol atau yang lebih baru Jeff Koons, Murakami melengkapi karyanya di bidang lukisan, patung, dan instalasi dengan merchandise dan publikasi yang diproduksi oleh perusahaannya, Kaikai Kiki.
Seniman Jepang kontemporer menggunakan berbagai media untuk mengekspresikan visi mereka atau untuk fokus pada kesempurnaan dan penemuan kembali media. Misalnya, Sugimoto Hiroshi telah mendapatkan pengakuan internasional untuk foto-foto kontemplatif pemandangan lautnya serta untuk karya pahatan dan arsitekturnya yang spesifik di lokasi tersebut. Mariko Mori melambangkan seniman multidisiplin, mengeksplorasi identitas dirinya dan mengembangkan citra surealis melalui fotografi, video, patung, instalasi, dan pertunjukan. Berbeda dari seniman seperti Sugimoto dan Mori, banyak seniman keramik Jepang kontemporer mengabdikan diri secara eksklusif pada bahan dan praktik seni keramik; dan mirip dengan seniman seperti Murakami, mereka menghasilkan karya baru yang menghormati dan menantang tradisi. Sejak 1 Mei 2019, ketika putra kaisar Akihito, Naruhito naik tahta, kita memasuki era baru bagi Jepang, yaitu Reiwa (diterjemahkan menjadi “harmoni yang indah”). Di Jepang seperti di tempat lain, seni saat ini terus bergema dengan masa lalu, sambil mengukir jalannya sendiri ke depan.